“En cuanto a ganar dinero, eso es lo que siempre queremos los profesionales de alguna actividad, y siempre ha sido así. No es un pecado, lo que sí habría que ver es que si el objetivo es sólo ese y nada más, no sería honesto. Y tal cosa se podría aplicar a cualquier profesión”.

Es verdad, a menudo se piensa que el artista no debe ganar dinero, pero eso en mi opinión aparte ser injusto con el artista, obstaculiza la música y le crea un sinnúmero de problemas que las personas de fuera no comprenden, claro que se puede hacer música gratis en algunas ocasiones, como tambien muchas profesiones o actividades PODRIAN hacer cosas gratis (y no las hacen), pero en general la falta de remuneración a los músicos crea problemas, no sólo por dificultar vivir sino que por obstaculizar la actividad en sí, pero eso con mucha frecuencia las personas que no practican el oficio no lo entienden (ni lo entenderán).

Como el frío aflojó un poco, ahora puedo mover los dedos para escribir algo… jeje. Dicen que esta parte del mundo donde estoy era, salvo los polos, la región más fría del mundo hasta hace pocos días.

Bueno, voy a tu comentario.

Stravinsky decía que la música se divide en dos categrías: “buena y mala” y se acabó. El problema es que para distinguir una de la otra pienso que habría que definir dos parámetros: uno, si hay inspiración para que la música exprese un contenido que no sea una huequera; y, por otra parte, hay que ver algunos aspectos técnicos.

@ alessio dice (y aprovecho para comentarlo aquí, pues viene al pelo):

“Puede ser que haya música hecha única y exclusivamente para ganar dinero, aunque en realidad nunca he oído música tan, pero tan mala como la actual (del 2000 en adelante, o tal vez desde los 90)”

Lo inquietante de este juicio es que se puede fundamentar yendo mucho más allá de la huequera de las “emociones” que quieren expresar, sino que, además, se pueden hacer objeciones que nada tienen que ver con los gustos de cada uno. Es decir: casos donde no hay melodía, ni armonía, ni tonalidad (pero no por eso son “atonales”) y queda tan sólo el ritmo. Entonces, si comparamos esos casos con la música popular de tiempos pasados, no podemos decir que la de hoy sea mejor ni peor, porque nos gusta o no, aunque hayan “clásicos” del género, no podemos, porque lo que ha cambiado es nada menos que prescindir de la instrumentación, de la melodía y del uso de la armonía y el contrapunto, restringiendo todo al uso repetitivo de unos pocos acordes como si no existiesen más posibilidades. Como podemos deducir fácilmente, esto también le cabe a la autodenominada vanguardia, y en todos esos aspectos técnicos es donde uno puede dar en el clavo para hacer un juicio valorativo.

Después pones varias interrogantes de mucho interés, como esta:

“¿Como podemos saber nosotros, desde la limitada visión de nuestro AHORA, que dentro de 3 siglos muchas de las canciones “populares” de hoy en día no seguirán escuchándose, estudiándose y considerándose como auténticos clásicos immortales? ¿Y podemos asegurar que toda la música que se componía hace 3 siglos se encaja en lo que ahora conocemos como música clásica o como música folclórica antigua? ¿No había nada más que por avatares del destino no haya trascendido, de igual forma que sucederá ahora con muchas músicas de vanguardia?”

Según me parece, no podemos ser adivinos, claro está. Pero… si tenemos en cuenta los parámetros que te decía, para determinar si se trata de música buena o mala, destinada o no a permanecer, se me ocurre que si las generaciones futuras llegan a “aprender” que la música es sólo ritmo, unos pocos acordes y, eventualmente, el uso de ruidos de diferentes orígenes… sin duda algo muy importante habrá cambiado. Y es posible que ese día la gente deje de entender la música de Bach, de Beethoven, y de todos los “clásicos”, por obsolencia. ¿Pues adónde habríamos llegado?

En cuanto a ganar dinero, eso es lo que siempre queremos los profesionales de alguna actividad, y siempre ha sido así. No es un pecado, lo que sí habría que ver es que si el objetivo es sólo ese y nada más, no sería honesto. Y tal cosa se podría aplicar a cualquier profesión.

Muchas gracias por tu extenso comentario, en realidad creo que coincidimos prácticamente en todo lo esencial.

Un saludo, y te espero en mi próximo artículo (ya verás por qué).

Creo que coincides mucho con lo que Gustavo dice (y con lo que yo mismo estoy de acuerdo).

Pero debo hacer una mínima puntualización: Sólo a partir de Beethoven, y más bien al final de su vida, los músicos escribieron música para “las masas” (entendiendo como “masas” a unos miles de burgueses, comerciantes y pequeños nobles que no podían tener conciertos en sus palacios (porque no tenían palacios) y tenían que ir a salas de concierto, pagar su entrada y escuchar música.

Mozart, como antes Haydn, Bach, Vivaldi y tantos otros, componían y tocaban música para auténticos conocedores. No podían hacer una composición “de aliño” porque sus mecenas (duques, reyes, arzobispos, etc) les habrían echado y buscado a otro que les gustara más. Debían, sí, hacer música que gustara… ¡pero a una o dos personas! que además solían ser ellos mismos músicos.

Por ejemplo, Bach compuso sus conciertos de Brandenburgo, encargados por el Margrave de Brandenburgo para ser ejecutados en sus elegantes salones prusianos. El número 6 es especialmente “raro”, pues está escrito para una plantilla “extraña” y “anticuada”: 2 violas, viola da gamba, bajo y continuo. La viola da gamba ya era un instrumento en desuso en la época de Bach. ¿Por qué entonces el gran maestro compone un concierto para tan raros instrumentos? Fácil: Christian Ludwig, el Margrave de Brandenburgo, era un consumado violista da gamba… Y claro, nada le placía más que tocar “su” concierto con y para sus amigos músicos. Si al público le gustaba o no la viola da gamba es irrelevante. Le gustaba al que pagaba, y listo.

Por lo demás, un muy interesante comentario, Jefe Ryback. Supongo que Gustavo también te contestará, si es que el frío que está pasando estos días le deja mover los dedos…

Saludos

Simplificando a las esencias y si no entendí mal; Gustavo nos explica que si bien en épocas pasadas siempre hubo público para la música “popular” y para la “culta”; parece ser que en la actualidad sólo queda la vertiente “popular” pues respecto a la música “culta” su público casi que se limita a rememorar viejas glorias muertas y está desvinculado completamente de la “vanguardia”.

Hago notar que no he puesto las comillas gratuitamente, estoy utilizando esas tres palabras de forma muuuuuy laxa. Porque por mi cabeza ya hace tiempo que pasaban de tanto en cuando algunas preguntas relacionadas con este tema y otras varias más que han surgido tras leerlo; y todas ellas me llevan a rechazar frontalmente esa forma de clasificar la música.

Todo parte del problema que para mí tiene llamar hoy en día “popular” a cierta música; la tremenda carga peyorativa que impone en muchos casos pues se equipara al concepto de “comercial”, el cual parece también ser negativo por defecto, como si ganarse la vida con su trabajo fuese pecado para un músico. Parecería un sinsentido si no fuese por que sucede continuamente: en un mundo materialista dominado por el ego, en donde la máxima aspiración de muchísima gente es hacerse famosa; resulta que los “fans” de los artistas (quienes igualmente participan y alimentan el sueño colectivo sobre alcanzar la fama) son los primeros que no quieren que dicho artista se haga famoso. Fijaos bien en los comentarios que surgen por doquier cuando algún músico “popular” alcanza la fama; seguro que por doquier se le acusará de “haberse vendido”, “ya no son como antes”, “se han vuelto comerciales” y demás comentarios similares.

En definitiva, veo como existe un sentimiento generalizado por parte del público, un deseo subconsciente global por querer mantener “la exclusiva” de conocer a un buen músico, de disfrutar de sus canciones para uno solo. Parece que si el músico (o artista, grupo, banda, loquesea) triunfa se pierda empatía hacia él porque ahora ya “cualquiera sabe de él”. ¿Es verdad que por ello es peor músico como se les acusa continuamente? ¿Que lleva a tantísima gente, del montón o doctos sobre el tema, a tachar de “peores que lo anterior hecho” de forma tan general a las obras que llevan al conocimiento masivo de un músico? ¿Y porque sucede esto hoy en día y antaño no (o eso me parece a mi)?

Vayamos ahora siglos atrás, en la época de los “grandes clásicos” que ahora se reconocen como tales. Si la memória no me falla, la gran mayoría de esos compositores buscaban lo mismo que cualquier músico hoy en día: popularidad y fama que les llevase a poderse ganarse la vida más o menos dignamente. Mozart o Beethoven NO componían (de forma sistemática, sí ocasionalmente) para una reducida élite altamente culta. Obviamente que sólo unos pocos podían permitirse ir a los lugares donde se representaban tales obras, pero el público no iba sólo por ser entendidos de una música culta “superior a la popular”. El público llenaba los teatros y las salas porque aquella música era el ENTRETENIMIENTO de su época; tuviesen o no la cultura como para apreciar todos sus matices. Y los compositores eran bien conscientes que, si bien sus encargos venían de gente más o menos entendida; su éxito provenía de que la composición “hiciese el pleno” en sus representaciones. La única diferencia con la actualidad es que aquella música de entonces era un entretenimeinto limitado por la rigidez de las clases sociales de entonces; pero NO por que su calidad intrínseca que sólo atrayese a un público muy específico.

En cambio la música “culta de vanguardia” actual parece rechazar de plano ni siquiera la posibilidad de ser considerada un “entretenimiento”; son sólo cultura, una especie de bien superior así que rehuye a toda costa la fama y atraer a las masas; con lo cual terminan abocados a utilizar unas formas musicales que los desconecten de la inmensa mayoría del público; ya sea alguien a quien le guste la música popular actual como a quien no. Y eso no sucede sólo con la música; ocurre igual con todas las artes principales: pintura, escultura, danza, cine, moda… Es vox populi que, en cualquiera de esos campos, hacer que crítica especializada y público coincidan en sus opiniones es casi un milagro al alcance de muy pocos (y sin seguridad alguna de poder repetir la gesta).

Pero todavía hay una vuelta más de tuerca en el asunto. ¿La música clásica se la debe considerar como tal sólo por utilizar unas estructuras surgidas tiempo atras (siglos a menudo)? ¿O se han convertido en unos clásicos porque consiguieron componer una música que, a pesar de ser hija de su realidad del momento, traspasó las fronteras del tiempo y la sociedad? De nuestra música contemporánea no podemos ver más que el desarrollo inmediato, pero no podemos saber a dónde nos llevará el futuro. ¿Se imaginaba si quiera Bach que la música que estaba componiendo resonaría a través de los siglos una y otra vez a perpetuidad? ¿Como podemos saber nosotros, desde la limitada visión de nuestro AHORA, que dentro de 3 siglos muchas de las canciones “populares” de hoy en día no seguirán escuchándose, estudiándose y considerándose como auténticos clásicos immortales? ¿Y podemos asegurar que toda la música que se componía hace 3 siglos se encaja en lo que ahora conocemos como música clásica o como música folclórica antigua? ¿No había nada más que por avatares del destino no haya trascendido, de igual forma que sucederá ahora con muchas músicas de vanguardia?

Al final del todo, para mí la BUENA música es un legado inmortal que no parará de crecer y crecer, pues continuamente aparecerán músicos en cualquier parte capaces de crear algo tan sublime que perdure para siempre. Más aún hoy en día con las facilidades existentes para darse a conocer y permanecer. Por contra la mala música, que siempre la hubo y siempre la habrá, desaparecerá sin más en el pozo del olvido. Pero en mi opinión, no serán los críticos o los doctos de una época, catalogando como “popular, vulgar, enlatada, culta, sublime…” quienes decidan cual música se recordará y cual no; será únicamente el implacable paso del tiempo y los gustos de las generaciones aún por nacer quienes dictarán sentencia.

Bueno, hasta aquí el ladrillo-mensaje. Si es que siempre me sucece igual cuando me emocione, que em enrollo como una persiana sin fin. ^_^ Espero que mis divagaciones sin fin no os hayan matado demasiadas neuronas y gracias a todos los que hayan aguantado hasta aquí.

“A esta altura me pregunto.¿ Puede la inteligencia desarmar la estructura de nuestro cerebro para poder apreciar la música del presente? ¿O es que solo la música de cuando se formó y maduró nuestro cerebro es la única que podemos apreciar?”

La inteligencia siempre puede “desarmar” los mecanismos mentales ya trazados, porque el cerebro tiene una capacidad permanente de renovar las conexiones neuronales, y puede ser a cualquier edad. Sin embargo, la dificultad mayor está en que la memoria no olvida (aún después de modificado un esquema) y habrá una tendencia al placer que da regresar a la comodidad de repetir las experiencias habituales por años de reiteración constante. Hay quienes consiguen pasar definitivamente esa barrera, a pesar de todo, y entonces sienten como que han descubierto un nuevo mundo y ya casi no hay vuelta atrás.

“Porque parece que hoy no habría buenos compositores ni buena música. Será como dice la poesía,”..todo tiempo pasado fue mejor..”?

Nadie dice que haya que regresar al pasado, para repetirlo porque fue “mejor”, sino que faltaría alcanzar un nivel de calidad equiparable a las grandes creaciones del pasado. El gran problema está en que hoy existe una renuncia manifiesta, intencionada, a elementos intrínsecos de la música en si misma, o sea: ritmos sin melodía, disonancias sin consonancia alguna, exclusión absoluta de la tonalidad, sustitución de instrumentos musicales por medios de hacer ruidos específicos… Y entonces nos podemos preguntar si esa novedad puede ser, o no, una base para que el oído se eduque de tal modo que sea incapaz de reconocer todas las cualidades que la música puede tener. Y, si el oído no puede, eso en realidad quiere decir que el que no las reconoce es el cerebro.

Creo que Honegger se refiere directamente a los músicos que están satisfechos en la posición de “fabricantes”, sin inquietud alguna por alcanzar a ver eso como una etapa de aprendizaje, como bien haces notar que, en cambio, ha ocurrido con varios compositores como Haydn o Mozart – y habría que agregar a muchos más de los que podría creerse. Por ejemplo, se dice (y no dudo que sea cierto) que muchas de las mazurkas y valses de Chopin eran bailadas en reuniones de amigos del compositor. Como bien dices, además, las formas menores son la escuela para que, quienes tengan talento o genialidad, puedan ir más allá y crear grandes obras. No sé si has seguido la serie completa, pero traté este tema en el artículo “Y primero fue la música” http://eltamiz.com/elcedazo/2012/07/01/musica-y-ciencia-5-y-primero-fue-la-musica/ donde llegué a preguntar si para hacer música es imprescindible conocer la teoría. Claro, no es para tomarlo al pie de la letra, sobre todo si pensamos en cómo se llega a ser capaz de crear grandes obras, pero hay raíces que sin duda son muy importantes y nada despreciables. Ambos mundos, el “docto” y el “popular”, están vinculados. Y cuando se trata de buenos músicos, no es nada raro que ese vínculo se perciba claramente. Mucha música clásica lo demuestra, pero… (y he aquí el problema) mucha música popular que oímos todos los días no pasa de ser un “producto” bien armado para durar un tiempo limitado, en tanto que mucha música “docta” de hoy es abiertamente rechazada por el pueblo – incluso por quienes les gusta escuchar música clásica. Por eso es que creo que la música está en un momento crucial y hay mucho para meditar. Más allá de lo que puedan ser los gustos de las personas, hay objeciones técnicas y psicológicas que ya sería tiempo de poner sobre la mesa.

Gracias por tus interesantes comentarios y saludos!